Frida

Pour Frida Kahlo, première figure de cette série, l’œuvre se concentre sur la profondeur de sa personnalité : une femme combattante, passionnée, et profondément engagée dans son art comme dans sa vie. Loin des images commerciales et simplifiées, ce portrait tente de redonner à Frida son intensité et sa complexité. 

Comme le camée, la pièce présente le profil de l’artiste dont les traits sont marqués par les épreuves de la vie. Cette pièce moulée en verre volontairement dévitrifié questionne la matière. Encadré d’un fond en mosaïque de verre évoquant la Casa Azul, son refuge et sanctuaire créatif, ce fond coloré fait écho à la vivacité de son univers et aux racines culturelles mexicaines qui ont tant nourri son œuvre.

Le cadre quant à lui, dévoile les deux facettes du personnage. En haut, deux cœurs reliés — en référence à sa toile Les Deux Frida — dominent la composition. De ces cœurs partent des veines qui alimentent des feuilles en verre : à gauche, les feuilles sont parcourues de nervures rouges, symboles de souffrance et de vitalité mêlées ; à droite, accompagnant le regard de Frida, les nervures des feuilles sont vertes, métaphore de son espoir inébranlable. Des éléments emblématiques de ses autoportraits, comme le collier d’épines, les papillons, ou le colibri mort, sont interprétés en céramique et en verre, transposant les symboles qu’elle utilisait pour raconter sa douleur et sa survie. Le fond du cadre est un paysage en relief, réalisé en poudre de pierre noire, servant de support à un travail pictural au pastel gras. Ce décor suggère les terrains sensibles et tourmentés qu’elle a traversés, tant physiquement qu’émotionnellement.

Par la richesse des matières et la multiplicité des techniques employées, cette œuvre cherche à restituer la profondeur de Frida, femme entière et ardente, traversée de blessures, d’amour, de luttes et de lumière.